Анонс аукциона №522 с 16 по 23 марта

Спросите у прохожих или у гугла про великого русского портретиста и показания будут путаными.
Но спросите тех же о великом русском баталисте и они хором затянут песнь о Василии Верещагине. И понятно, что батальный жанр относительно портретного всегда был на периферии. Ясно и то, что самые популярные и всенародно ценимые картины Василия Верещагина, не являются в прямом смысле баталиями. Вспомним всемирно прославленный “Апофеоз войны” — художник описывал его так: «если не считать ворон, это натюрморт, в переводе с французского — мёртвая природа…»

Василий Верещагин. Наброски к туркестанской серии. 1872

Художник Василий Верещагин (1842—1904), тот который с молодости привых по 16 часов проводить за холстом, был в полном смысле и военнослужащим. Он обладал георгиевским крестом за храбрость, погиб он также смертью храбрых вместе с адмиралом Макаровым при подрыве броненосца «Петропавловск» в русско-японской войне. Верещагин осмысливал батальный жанр на новой глубине и вывел его на уровень, на котором за бряцанием оружия не забываются ужасы войны. Слава была так велика, что 1901 году  в газетах  даже появились сообщения, что Верещагин номинирован на первую Нобелевскую премию мира — сообщения не подтверждённые сегодня, но многочисленные.

Василий Верещагин большую часть жизни путешествовал и творчество его структурируют преимущественно по географии. Туркестанская серия, палестинская, балканская, индийская, японская. Художник не приглашал фантазии в детальную проработку своих полотен. Иными словами, зарисовки художник делал с натуры. А одежда, оружие и прочие элементы утвари Верещагин коллекционировал, что позволяло доработать детали в мастерской.

Василий Верещагин. Рисунок из туркестанского альбома.

И сегодня у нас на торгах набросок к туркестанской серии, всего их пять в нашей коллекции. Эта серия бытописательна, тут Верещагин отдаляется от баталии в пользу зарисовок местной жизни. В нашей коллекции есть пять набросков из туркестанского альбома, и сегодня один из них отправляется на торги.

Княгиня тенишева в своих воспоминаниях пишет, что верещагину “надо быть благодарным хотя бы за то, что он ввёл в России батальный жанр”. Княгиня говорит “ввел”, словно и не было в россии батального жанра, хотя развивали его со времен Петра.
И нам с вами очевидно, что до Верещагина, в таком масштабе, так сильно и так живо баталии никогда прежде не занимали русский народ.

Мстислава Добужинского (1875-1957) называют певцом петербурга и одним из величайших театральных художников столетия и сегодня он интересен нам именно как сценограф. Будучи самым молодым из  мирискуссников,  Добужинский разделял и их любовь к театру, но совсем не сразу стал причастен этой теме как художник.

Сценографиями он начал заниматься в 1907 году, то есть через 3 года после закрытия журнала “Мир искусства”. В начале 20 века в театре, как и везде, происходили основательные перемены. Коснулись они, в том числе, и сценографии: теперь от художника-постановщика ожидали нового удивления, и иллюстраторская интуиция Добужинского, развитая с детства отцом, пришлась по вкусу современному театру.

Мстислав Добужинский. Эскиз костюма «Донской казак» для оперы «Война и мир». 1948

В России  художник практически, в опере не работал, но, находясь за границей, участвовал во множестве интересных постановок и даже сотрудничал с дягилевской антрепризой. И вот в  1942 Сергей прокофьев создает оперу “Война и мир”. А пять лет спустя премьеру собираются ставить в Метрополитан-опера. Мстислав Добужинский, который в с 1939 года жил в США, исполнил заказ на создание серии эскизов.

Сегодня к нам на аукцион попал один из эскизов — с казаком из “Войны и мира”, казаком начала XIX века. Казачество  — это очень важный для русских социокультурный феномен, его описывал не только Толстой, но и Гоголь, позднее Шолохов. Писатели показали большую нравственную силу, заложенную в традициях, менталитете казачества, его патриотизм, свободолюбие, дерзновенную отвагу.

Если вдруг казак обретает плоть у Добужинского — такое могло произойти только в контексте работы с театром. Тема казачества Мстиславу Валерьяновичу в жизни была не близка. Но сказать, что перед нами эскиз одного только костюма нельзя. Вплоть до портретного попадания,  это всё — афористично схваченный характер. Только взгляните на это залихватство!

И вот, наконец, культура нонконформистов. Вызывающая сострадание и уважение, как росток на каменистой дороге. Но апеллирующая чаще к радостным чувствам, как всякое мирное хулиганство.

Вячеслав Калинин (1939 — 2022), достойный ее представитель,  радовал нас своими новыми работами до прошлого, 2022 года. Художника не стало в возрасте восьмидесяти трёх лет. В 2008 году провели персональную выставку живописи и графики Калинина в Третьяковской галерее и работы его сегодня активно расходятся по коллекциям. По вселенскому порядку, в ближайшем будущем ждём большую выставку и каталог-резонне.

Вячеслав Калинин. Цирк.

В 1960-е годы Вячеслав Калинин, отучившись на краснодеревщика, оставляет профессию на старте и поступает в училище Васнецова. Вскоре он попадает в мастерскую Оскара Рабина и знакомится с Лианозовским кругом — Евгением Кропивницким, Василием Ситниковым, Владимиром Яковлевым, а позже — с Анатолием Зверевым и коллекционером Георгием Костаки. И с момента попадания в эту среду он становится свидетелем и участником фактически всех значимых для московского неофициального искусства событий.

И примерно с 1967 года работы Калинина регулярно появляются на зарубежных и российских выставках в Италии, ФРГ, Швейцарии. В 1970-е  а это период «застоя» в экономике и пора доминирования метода соцреализма в искусстве художник входит в знаменитую «двадцатку» — это объединение художников-нонконформистов при Горкоме графиков (Малая Грузинская, 28). И место это было популярное и пишут, что люди подолгу стояли в очередях чтобы посмотреть (зачекиниться и сделать селфи).

И вот художественную манеру Калинина словесно определяют по-разному, сильно влияет на эти определения тематика и хулиганское умонастроение произведений. Калинина называют критическим реалистом. Возможно в противовес социалистическому реализму, обходящему неудобные разговоры стороной . Художественный строй большинства калининских произведений выдаёт верность «карнавальной культуре» или карнавализму.

Калинин пишет послевоенную Москву, а затем постперестроечную Москву, и у него она населена множеством богемных или нищенствующих персонажей и наделена гротескными чертами. Складывается впечатление, что часть характеров Калинина после позирования собрались и пошли сниматься в массовке фильма  “Небеса обетованные” Эльдара Рязанова.

В 1991 году художник эмигрировал в США, но часто возвращался на родину.  Картина “Цирк” на сегодняшних торгах написана как раз в этот поздний период творчества в манере близкой к пуантилизму.  Она представляет собою праздник и буффонаду, которые и есть сам цирк. Но если вам заметен православный купол, осеняющий весь этот цирк, значит, вы уже слышите знакомую хулиганскую интонацию художника.

Работы Вячеслава Калинина представлены в ГТГ, ГРМ, а также в зарубежных музейных собраниях и частных коллекциях.

Владимир Яковлев (1934-1998) рисовал с 1957-го года. Вдохновил фестиваль молодежи и студентов: Яковлеву тогда было 23, образования у него было 5 классов и работал он ретушером в издательстве журнала “Искусство”.

Этот художник — легенда послевоенного неофициального искусства. Манера Яковлева резко отличалась и цепляла взор, он был на слуху у советской интеллигенции как художник удивительной интуиции, новатор и… мученик.

Владимир Яковлев. Портрет девушки. 1979 год

Художник с юности страдал от прогрессирующей душевной болезни, был некрасив, физическое здоровье его тоже постоянно ухудшалось. Долгие годы он терял зрение, а уже в 1970-х почти не видел, рисовал, щурясь периферическим зрением.  Большую часть жизни Яковлев провёл в закрытой больнице. Со временем он научился управлять своим состоянием: когда чувствовал, что подходит момент обострения — сам просился к врачам, в интернат, в лечебницу. Яковлев на редкость мужественно переносил выпавшие ему мучения, принял свою судьбу.  Зажатый в этих чудовищных обстоятельствах, художник нашел и блестяще реализовал свое божественное предназначение. На зависть многим другим, сильным, здоровым и одаренным, он сумел оставить яркий след в истории русского искусства, раздать свой талант, и получить признание еще при жизни.

Живопись большинства художников, как правило, продается в несколько раз дороже его графики. Это не так в случае Владимира Яковлева. Его графические листы ценятся почти равноценно высоко и в настоящий момент продолжают расти в цене. Сегодня на торгах портрет девушки. Это графический лист, который отражает особенности позднего творчества художника. Рисунки Яковлева, как и Зверева, всегда просятся в коллекцию: соединенные в один многоголосый наивный хор на стене графические листы звучат уникально и красиво.