АНОНС АУКЦИОНА №524 С 30 МАРТА ПО 6 АПРЕЛЯ

Константин Коровин. Эскиз костюма к опере «Князь Игорь».

Константин КОРОВИН (1861 — 1939) — самый известный русский импрессионист, наряду с его другом Валентином Серовым, да и вообще — фамилия его слишком известна, чтобы её называть. А еще Коровин театральный деятель, признанный таковым за сценографии и костюмы.

Изготавливать костюмы и декорации для театра Константин Коровин начал ещё в 1884 году, сотрудничая с оперой Мамонтова. В 1885 году художник под руководством Василия Поленова написал декорации для «Аиды». Самостоятельно Коровин сделал декорации для «Кармен» Жоржа Бизе и «Лакме» Лео Делиба.
В 1900-х годах художник также активно работал в театре. Впервые имя Коровина на афише государственного театра появилось в 1900 году, когда художник изготовил декорации для оперы «Русалка» Александра Даргомыжского. Коровин оформил спектакли «Фауст» (1899), «Конёк-горбунок» (1901), «Садко» (1906), «Золотой петушок» (1909). В 1904 году Коровин вместе с Аполлинарием Васнецовым, Александром Головиным и Феодосием Лавдовским оформил «Жизнь за царя» Михаила Глинки.

Константин Коровин работал над оформлением спектаклей Большого театра, Мариинского театра и театра Ла Скала в Милане. Многие эскизы выполнялись другими художниками, при этом автором идей и образов был Коровин.

Константин Коровин и Александр Головин внесли в работу Большого театра принципиальное изменение: появился главный художник постановки, работающий в связке с режиссёром или балетмейстером. Творческим партнёром Коровина в постановках Большого театра стал балетмейстер Александр Горский.

Коровин был одним из тех героев, что помогли направить русский театр в новое современное русло. В некоторых постановках, в частности, в опере «Богема» Пуччини, декорация даже затмила актёров.Коровин считал работу над декорациями таким же «чистым искусством», как и живопись, демонстрирующуюся на выставках, о чём он сообщил Поленову в переписке.

Яковлев Василий. Лето в деревне. 1948

А вот и ученик Константина Коровина — Василий ЯКОВЛЕВ (1893 — 1953), он известен, как признанный и

уважаемый советский живописец, автор книг и, между прочим, биографии своего первого преподавателя, иконописца Василия Никитича Мешкова.

Брат Василия, Борис Яковлев, не менее известен — его считают родоначальником индустриального пейзажа в России.

Это поколение художников, рожденных прямо на переломе столетий — их манеры другие, как и их герои и их темы.

Сегодняшний топ-лот  — выдающаяся картина «Лето в деревне».  На поле жуёт траву козлёнок с шелковистой шерстью — живописец буквально накануне получил государственную премию за изображение стада домашнего скота. На бане висит глиняный горшок. Рыбачок идет к реке;  Не пасторальная идиллия, а простая деревенская благодать и долгожданная тишина.

Пётр БЕЛЕНОК (1938-1991) — один из ключевых неофициальных московских художников.

Пётр Беленок. Космос. 1988

До переезда в подвальную московскую мастерскую выпускник киевского института Беленок был успешным и скульптором в украинском городе Ровно. Это тот случай, когда человек предпочёл путь художника стабильному существованию в номенклатурной обойме. Он умер в бедности, как впрочем многие великие представители профессии, но всё же настоящего забвения он избежал.

В Москве 1967 года его ждал совершенно иной уровень жизненного комфорта. Вместо очереди заказчиков — скудные заказы от художественного комбината, но именно здесь рождается индивидуальный стиль или то, что стали называть паническим реализмом.

Эдуард Лимонов писал  в эссе «Московская богема» о мастерской и картинах Петра Беленка (или Беленока, есть версии)

Последние несколько лет жизни в Москве картины Петра Беленка постепенно вытеснили у меня со стен картины других художников. На картинах изображены большей частью современного вида мужчины, застигнутые неведомыми катаклизмами. Мужчины бегут, спасаются, а над ними разрываются какие-то диски, кольца, то ли это расплавленная порода, магма, внеземное вещество, часть расколовшейся тверди.    
                

.. Петька — член МОСХА — секции скульпторов. Когда-то, когда жил еще в Киеве, его скульптурные работы даже репродуцировались на открытки (тот же Чапаев). Но Петр хорошо знает польский язык — это его и сгубило. Стал он читать польские журналы по искусству и нахватался в них чуждых идей, с которыми жить в России трудно.

Петр Беленок начал выставлять картины в жанре панического реализма в 1970-х. Художник неофициального московского искусства родился в деревне Корогод под Чернобылем в 1938 году. Когда в апреле 1986 года произошла авария, художник навсегда потерял возможность вернуться на родину.

Если для терроризируемой природными катастрофами Японии изображение большой волны Хокусая стало предельным выражением противостояния человека стихии,  то вот после Чернобыльской аварии для всех лаконическая мощь графических посланий Петра Беленка. Ядерная бомба, техногенные катастрофы — не являются ли они ещё одной стихией, беспощадной к доводам?

Панический реализм по факту — это выразительная сила человеческого жеста, человеческой фигуры во взаимодействии с некой стихией, которая у Петра Беленка абстрактна, как и само понятие “стихия”.

В изображении стихии художник нашел характерное выражение, которое узнают издалека и сразу. Обыкновенно в нижней светлой плоскости размещены крошечные фигуры людей, вырезанные из газет и журналов. В тёмной верхней – абстрактные элементы, выписанные одним стремительным движением.

Пётр Беленок создал вещи современного и узнаваемого звучания. Работы художника находятся в Jane Voorhees Zimmerli Art Museum at Rutgers University (Нью-Брансуик. Нью-Джерси. США), Kolodzei Art Foundation (Нью-Джерси. США), Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Государственной Третьяковской галерее, Московском музее современного искусства, Государственном Русском музее и других собраниях.   

Холст Евгения ЧУБАРОВА (1934 — 2012) завершает наш сегодняшний список топ-лотов. В наследии художника сотни живописных работ, тысячи графических листов и скульптур, которые представлены в музеях и частных собраниях всего мира. 

Евгений Чубаров. Без названия. 1982

в 1960м ему было 25, это время первых серьёзных живописных опытов, он недавно обучился гравировке в ювелирном деле. 

Живя в Загорске Чубаров был сосредоточен на создании фигуративных живописных и графических серий, в которых он изображал окружающих его людей — жителей небольшого городка, соседей, мужчин и женщин. В 1968 году Чубаров переехал поближе к Москве, в город Мытищи, где с некоторыми перерывами прожил до конца жизни.

1970-80-е годы — годы знаковых чубаровских работ тушью на бумаге. Композиционно его работы наследуют «Несению креста» Босха (1515—1516), экспрессионизму Бориса Григорьева периода «Ликов России» (1920—30-е) и аналитическим опытам Павла Филонова. Живописная поверхность плотно загружена. Если раньше Чубаров писал отдельные фигуры в легко читаемых взаимоотношениях, то теперь он создает ситуации максимальной тесноты, заполняя холст все новыми и новыми лицами и телами, редко связанными общим сюжетом. В общем хоре графика выглядит барочно, бурливо, динамично. 

Илья Кабаков, посетив чубаровскую мастерскую в 1978 году пишет, что побывал в гостях у живого гения.

1990-е Чубаров, по приглашению ни много ни мало Гарри Татинцяна, переезжает в Берлин, затем Нью-Йорк. Здесь наступает третий знаковый этап — абстракция. 

Этот художник и неповторимый график включился в абстрактный диалог позднее, чем шестидесятники, у которых с абстракцией в целом особые отношения. Чубаров самостоятельно и с отрывом осознавал абстракцию несколько иначе.

С подачи Татинцяна Чубаров встаёт в новый контекст и оказывается там своим.
Через три  года после смерти художника в Галерее Гари Татинцяна прошла посмертная выставка Евгения Чубарова, посвященная 80-летию со дня его рождения. Ещё годом позднее в немецком городе Хаген в Музее Карла Эрнста Остхауса открылась персональная выставка художника «Берлинские работы”. 

22 июня 2007 года на русских торгах аукционного дома «Phillip’s» картина Чубарова «Без названия» 1994 года была продана за рекордную для здравствующего художника из России сумму — 1 198 500 долларов США.

Чубаров — один из, его имя надёжно записано в историю современной живописи и обладание его живописной работой — это тоже удача, всё более редкая.